— 優秀賞選出審査、ありがとうございました。審査を終えていかがでしたか？

応募作品の多さに圧倒されました。長い間、自分も応募する側の人間だったので、作品から影響をうけ、また著書も読ませてもらっていたようなすごい方々に混じって審査員をやらせていただくということに、大変緊張しました。

— 総評では、スタンダードな作品が多かったといわれていましたね？

スタンダードという言い方はざっくりとした表現だったかもしれないですね。イメージを加工した作品がもっとあるのではないかと予想していたのですが、スナップでもドキュメントでも、またコンセプチュアルな作品でも、操作を加えずにストレートに写真イメージを使っているものが多いと感じました。

— 写真をはじめたきっかけを教えていただけますか？

子どもの頃に使い捨てカメラが流行っていて、それで写真を撮るのが好きでした。でも、父親が持っている一眼レフのカメラは特別で、好き勝手に使うことはできなかったから、ちゃんとしたカメラで撮ることは僕にとっては大人びた特別な行為でした。
中学生から高校生時代はスケボーに熱中して過ごしていたのですが、いよいよ進路を考えないといけないというときに、自分は写真が好きだったことを思い出したんです。そんなふうに、本当に簡単な理由で専門学校への進学を決めたわけですが、授業で暗室作業などを実際に学んでいくと、子ども時代に化学部で面白がっていたような興味が掻き立てられて、どんどんハマっていきました。卒業してから就職もせずに、実家に暗室をつくって作品をつくるようになったんです。

— 写真新世紀で佳作に選ばれたのは、その頃ですか？

2008年ですから、僕が25歳ぐらいのときです。当時、写真のコンペに年間４、５件くらい応募していましたが、何の結果も残せないまま時間だけがすぎていきました。専門学校を卒業してから５年ほど経ったとき、その年いっぱいがんばってどこも受からなかったら、写真を続けていくかどうか考え直そうと思ったんです。そして、どうせ最後になるなら好き勝手に自分らしくやろうと、誰にも見せていなかった作品で写真新世紀に応募することにしたんです。

— 写真画面から部分的に消していくということですか？

そうです。人の表情や背景に写り込んでしまった看板など、余計な部分を整理するために画像編集ソフトを使って消していきました。わからないように加工しようという意図はなくて、大雑把にやっていたから、結果的にグラフィック的なとても違和感のあるイメージになってしまった。そこで、写真らしい画像に戻せないかと思い、いろいろな方法を試してみたのですが、フィルムカメラでもう一度複写するという単純なやり方に辿り着きました。荒く現像するとイメージに粒子が現れて、ヌメっとしたデジタルの質感が中和されるのです。

— そのように試行錯誤した作品が、写真新世紀の佳作に入賞されたんですね。

評価していただけるとはまったく思っていなかったので、本当にビックリしました。それまで自分の作品が認められる経験がまったくなかったから、本当に救われたような思いでしたし、写真制作に対する考え方が変わるきっかけになりました。

— Zineと呼ばれる簡易な冊子の形態の作品集を、作家として活動しはじめた初期の頃から制作してこられましたよね？

スケボー仲間に配るために作った小冊子がもともとの始まりです。中学、高校時代に熱中していたスケボーの友人たちは多趣味な人が多くて、自分たちで録音してラジオ番組のようなことをやろうということになり、僕は一緒に配るための小冊子を作ることにしたんです。自分の写真と他の人が書いた文章をまとめて、コンビニのコピー機で印刷しました。仲間内だから配りやすいし、そうやって共有するのって楽しいじゃないですか。それをきっかけに、ある程度写真がまとまってきたら小冊子にして周囲の人たちに配るようになりました。

— どのようにしてZineが発表媒体になっていかれたんですか？

そんな活動をしばらく続けていたら、2009〜2010年くらいに、TOKYO ART BOOK FAIRの前身のZine's Mateに参加することになったParapera(現Newfave)という出版社が、Zineを作ってみないかと誘ってくださいました。そのとき初めて、販売するためのZineという形態を意識して制作したんです。

— 横田さんは早くから海外で作品を発表されてきて、2012年にはオランダで開催されてきた写真イベント「Unseen」も出品され、翌年の2013年には「Unseen Photo Fair」で「The Outset I Unseen Exhibition Fund」初の受賞者に、また2014年にはオランダ、アムステルダムにある写真美術館Foamで個展を開催するなど、活躍の場を広げていかれました。日本国内よりも先に、海外での活動が先行したように思いますが、何かきっかけはあったのでしょうか？

そんな風に説明していただくとまるで順調に進んできたかのように聞こえる方もいるかもしれないですが、全くそんなことはなくて、とにかく暇だったんですよ。2008年に写真新世紀で佳作に選んでいただき、その後に他のコンペでグランプリを受賞させていただきましたが、それですぐに環境が変わるわけでもなく、活動の場も思うように広がらなかった。国内にはもう自分の入り込める隙間はないように感じて、海外の情報を探し始めたんです。本屋やギャラリーだけでなく、当時、海外で影響力のあったブロガーなど、気になるところをみつけては写真の画像を送っていました。

— ご自身からアプローチしていったのですね。

今よりももっと英語ができなかったから、本当に２、３行だけの簡単な文章をつけて送っていました。「写真を見てください。ダイスケ・ヨコタ」みたいな感じで（笑）。
たくさん送っていくなかで、Tim BaberがやっていたTiny Vicesというウェブ上のギャラリーが、写真を送った２ヶ月後くらいに載せてくれたことがありました。ちゃんと作品を見てくれているのだと感じて、それがとても嬉しかったのをよく覚えています。

— オランダの「Unseen」には、どういった経緯で出品されたんですか？

Zineの『Back Yard』というのを見たと海外の作家から連絡があったんです。AM Projectsというアーティストのチームを組んで活動をしていくから、お前も一緒にやらないかと。言葉も全然わからなかったけど、ぜひ参加したいと思いました。その第一弾として、ドバイにあるEast Wingというギャラリーが「Unseen」に出展するスペースの一角を借りて、そのアーティストチームで展示しようということになりました。はじめは作品だけ送るつもりだったのですが、税関で引っかかってしまって届かなかった。それで急遽、自分の手で運んで持っていくことになったのです。

— 写真を成立させているマテリアルそのものに着目する制作手法は、展示にも表れていますね。たとえば、2016年あいちトリエンナーレに参加した展示「Matter / Vomit」では、壮大なインスタレーションを展開されていました。

日常的にやっている作業から思いついたアイデアばかりで、何も特別なことではないのです。あいちトリエンナーレでは、それまで発表することのなかった写真を巨大なロール紙に出力したのですが、プリンターでずっと排出して印刷を続けていると、ロール紙が波うって束になっていきますよね。その紙の状態がすごく良いと感じました。また、銀塩写真の印画紙にゼラチンが塗ってあるところが、まるでコーティングされているよう見えて好きなんですよ。そこで、写真の物質的な素材のあり方を抽出して展示にできないかと考えたのが、プリントした巨大なロール紙をワックスで塗り固めるという方法でした。実際にやってみると、ワックスを塗ったところがグチャッとなって傷がついてしまうんですが、それがまた良かった。だから、今度はわざと傷をつけるために、ワックスを塗ったロール紙をモップでゴシゴシとこすることにしたのです。

— 気になったことを徹底的に突き詰めていった結果なのですね。

写真が成立するためには、素材や工程があるわけですが、その作業工程を含めて全てが写真の面白さだと思っています。自分の存在は、ただ写真が生成していく過程に携わる一人間であるという意識が強い。だから、自分の作業部屋には監視カメラをつけて、写真をつくる工程も記録しています。